il dialogo ed i personaggi nel cinema: intervista ad andrea daz

 

Da alcuni anni lavora nel cinema internazionale, in particolare nelle coproduzioni Europa-USA e nella distribuzione cinematografica.    il suo primo film da regista sarà SUPERCHICA a Barcelona, tra breve, il mese prossimo inizia la pre-produzione ufficiale, invece l'annunciato THE SECRET WORLD, progetto americano più impegnativo (e costoso) slitta al 2013. 

 

 

    risposta. Rimando a google per chi vuole leggersi tutto il mio curriculum, magari in un pomeriggio piovoso, in sintesi ho iniziato col teatro nel 1994 (quindi, sono quasi vent'anni che sono in circolazione, anche se ho fatto una pausa di molti anni, che spiego più avanti) Ho realizzato molti spettacoli come regista ma anche organizzando spettacoli diretti da altri, ruolo che mi è molto congeniale. Tutto quello che ho fatto è sempre stato un lavoro di gruppo, dove spesso i ruoli non erano ben definiti. Sopratutto all'inizio, nelle prime squattrinate esperienze teatrali, tutti facevano tutto. I primi anni di esperienze teatrali mi hanno dato l'impostazione, proprio perché sono stati anni di tirocinio e di apprendimento, divertenti e di successo ma anche con molti errori e passi falsi, esperienze negative che ancora adesso mi sono utili e hanno costruito la professionalità.  Un'esperienza importante, tra le tante,  è stata per me la regia de L'IMPERATORE DI ATLANTIDE, opera lirica di VIktor Ullmann, al Fraschini di Pavia. Un'idea che sembrava uno dei tanti esperimenti si è rivelata di grande successo, una serie di performances sul futurismo che si chiamavano TFS (Teatro Futurista Sintetico). A Milano chi mi conosce di nome mi associa sopratutto a queste cose, Insieme al blog Mercuzionline, un blog-rivista gestito ed editato da me, ma scritto da altri, con comunicati e recensioni di spettacoli.  Non ho mai fatto l'insegnante di teatro, e se me lo proponessero mi rifiuterei, ma ho tenuto invece dei laboratori sul teatro in cui non insegnavo ma mettevo a disposizione i miei studi e le mie esperienze per avvicinare la gente, quelli che di giorno fanno altre cose e vanno al teatro ogni tanti,  Mettici un intervallo di cinque anni, in cui mi sono dedicato ad altre cose e ho tirato un sospiro di sollievo perché tutto quel teatro mi aveva stancato e non mi aveva poi molto arricchito, per alcuni anni ho lavorato nel web marketing e l'esperienza artistica, di cui ogni tanto mi chiedevano perché il mio nome saltava comunque fuori, era per me un discorso chiuso, avevo bisogno di rimettere i piedi sulla terraferma. Quando sono rientrato nel "magico mondo dello spettacolo", più sereno e con le idee più chiare, ho preferito tornare all'idea iniziale, il cinema. Già mi dicevano che il mio modo di fare teatro, sia come recitazione che come luci che come musiche, era cinematografiche, quasi un "teatro-cinema" che forse per questo piaceva (alle luci con me hanno lavorato persone che ora sono direttori di fotografia in cinema). E poi, i miei studi erano stati principalmente di cinema, infatti, anche se lascio la porta aperta al teatro nel futuro, ho in mente solo il cinema. Sono due mondi e ambienti diversi. Rispetto al teatro, dove davo sfogo a una creatività artistica molto fervida, nel cinema mi muovo un uomo d'affari, un produttore esecutivo (attenzione! esecutivo non produttore, è diverso ) e marketing manager dei film. Anche perché prima ero un folle venticinquenne, adesso sono un posato quarantenne.  

 

Questa è una domanda che richiederebbe una risposta-saggio, su queste cose Eisenstein ha scritto un volumetto "Il montaggio cinematografico" usato nelle scuole di cinema. Il linguaggio varia a seconda delle annate, per esempio un film degli anni '50 ha delle inquadrature ben definite e studiate, un film degli anni '90 tende ad avere immagini più mosse e oblique, e così via. Questo è qualcosa che viene percepito da qualunque spettatore, anche se magari non lo sa spiegare. Per questo a colpo d'occhio, facendo zapping in tv, si riconosce il periodo a cui appartiene un film, anche da pochi fotogrammi. 

 

Per i dialoghi, come sappiamo c'è il classico controcampo e campo, ovvero un alternarsi di piani dei due personaggi dialoganti, e anche quello si è evoluto nel corso degli anni, in realtà i personaggi non stanno l'uno di fronte all'altro ma sono inclinati lateralmente, se fossero davvero l'uno di fronte all'altro, per uno scherzo di ottica, nel film sembrerebbero inclinati! Molti registi hanno sperimentato sul campo e controcampo, per esempio Lars Von Trier o Roger Avary presentano dei dialoghi con i personaggi che non si guardano neanche o guardano fisso in cinepresa. Spielberg spesso fa vedere le ombre dei personaggi che parlano. Invece un innovatore come Tarantino, nel bellissimo, celebre dialogo tra Uma Thurman e John Travolta di Pulp Fiction, usa un campo e controcampo classico. Altro esempio famoso di dialogo è quello tra Al Pacino e Robert De Niro in Heat, film che vorrei portare alla presentazione. Stanno l'uno di fronte all'altro e i loro gesti, le loro espressioni, le loro parole sono in sincronia perfetta. Il cinema francese di un certo periodo, come quello di Rohmer, presenta i due dialoganti intenti in lunghe passeggiate, con la cinepresa che li segue a distanza ma rispettosamente, come se fosse un terzo amico che li sta ad ascoltare a distanza. Woody Allen fa sedere i due personaggi su di una panchina o su di una sedia di casa e li inquadra insieme. Quando il regista vuole concentrare l'attenzione sul dialogo, come sempre in Heat, l'nquadratura è stretta, si vedono solo i personaggi. Invece Pulp Fiction, per esempio, mostra anche il sottoscena, l'ambiente circostante.